[Avrillier, Sigrid] Corrège

 

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Titre : Corrège

Auteur : Sigrid AVRILLIER

Parution :  2024 (Macenta)

Pages : 124

 

 

 

 

 

 

 

Présentation de l'éditeur :  

Antonio Allegri da Correggio, dit Il Correggio (vers 1489 ou 1494-1534), en français Le Corrège ou plus simplement Corrège, contemporain de Léonard de Vinci, de Raphaël et de Michel-Ange, est considéré par les historiens de l’art comme l’un des plus grands maîtres de la Renaissance italienne.

Dans ce livre, comme dans tous les autres volumes de la collection « L’œil du copiste », Sigrid Avrillier utilise à la fois ses compétences de copiste et son esprit de chercheur pour nous inviter à pénétrer dans l’univers de cet artiste à partir de l’une de ses œuvres, Le Mariage mystique de sainte Catherine, devant saint Sébastien, dont elle a exécuté une copie au musée du Louvre.
Elle nous montre comment Corrège, figure isolée et travailleur solitaire vivant en Émilie, au centre d’un triangle artistique formé par Milan, Florence et Venise, a su prendre le meilleur de ces trois écoles prestigieuses pour inaugurer une nouvelle façon de concevoir la peinture et pour développer son propre parcours.

Grâce à la douceur expressive de ses personnages, l’utilisation audacieuse de la perspective, son sens du mouvement et des gestes, il s’impose comme un indispensable chaînon entre le XVI^e et le XVII^e siècle. Peintre de la mystique chrétienne autant que de la grâce sensuelle, Corrège eut l’audace des précurseurs. Il fit de Parme l’un des principaux foyers de la Seconde Renaissance et exerça une influence durable.

Écrit à la façon d’une enquête, ce livre est accessible à tous les publics qui s'intéressent à la peinture comme expression à la fois d’une sensibilité artistique, d’une époque et d’une histoire.

 

 

Le mot de l'éditeur sur l'auteur : 

Sigrid Avrillier, normalienne et auteur d’une thèse sur l’interaction matière-rayonnement, est professeur émérite à l’université Paris 13. Elle a vu ses travaux couronnés par de nombreuses distinctions dont la médaille d’argent du CNRS. Parallèlement elle mène une carrière de peintre et de sculpteur sur pierre. Elle est actuellement copiste au musée du Louvre.

 

 

Avis :

Normalienne, agrégée et docteur en physique, Sigrid Avrillier est aussi passionnée de peinture et copiste au musée du Louvre. Après Claude Lorrain, Rubens ou encore Pontormo, cette habituée de la collection « L’oeil du copiste »  des éditions Macenta, spécialisées dans les livres d’art abondamment illustrés et accessibles à tous en format « Poche », nous propose cette fois la découverte de l’univers de Corrège, l’un des grands peintres de la Renaissance au sein de l’école de Parme, à partir de l’une de ses œuvres maîtresses : « Le Mariage mystique de sainte Catherine devant saint Sébastien ».

Exposé aux côtés de la Joconde au début du XXe siècle, quand cette dernière n’éclipsait pas encore le reste du musée, le tableau qualifié de « plus belle peinture de la Chrestienté » est toujours visible dans la Grande Galerie. Après des mois passés à s’en imprégner pendant son délicat travail de copie, Sigrid Avrillier s’est souciée d’en savoir plus sur ce peintre qui n’a laissé d’autres traces que son œuvre : tableaux, retables et coupoles peintes à Parme, Modène et Corregio en Italie.

Son investigation, mêlée d’un certain suspense, nous emmène, à partir du tableau et de sa curieuse thématique du mariage mystique, dans une analyse aussi bien du contexte historique et culturel du début du XVIe siècle en Emilie-Romagne que des traits de personnalité de l’artiste, laissés à deviner au travers de son œuvre et de son parcours. A l’issue du voyage, c’est avec un regard neuf que l’on considérera à nouveau le tableau du Louvre, averti que l’on sera de sa portée contestataire. Il est intéressant de noter que la clé de son message réside notamment dans le contraste entre la scène et son arrière-plan, un arrière-plan qui, jusqu’à sa restauration, avait fini par disparaître sous l’épaisseur des vernis successifs…

Aussi passionnant qu’accessible tant l’exposé fait preuve de clarté, ce petit livre abondamment pourvu d’illustrations de grande qualité est une excellente occasion de (re)découvrir un très grand peintre de la Renaissance italienne, injustement méconnu du grand public contemporain. (4/5)

 

 

Citation :

Le Corrège est peut-être le seul peintre qui sait donner aux yeux baissés une expression aussi pénétrante que s’ils étaient levés vers le ciel. Le voile qu’il jette sur les regards ne dérobe en rien le sentiment ni la pensée, mais leur donne un charme de plus, celui d’un mystère céleste.

 

[Attlee, Helena] Le violon de Lev

 

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Titre : Le violon de Lev
            (Lev's Violin)

Auteur : Helena ATTLEE

Traduction : Grégoire LADRANGE

Parution :  2021 en anglais,
                   2023 en français (Omblage)

Pages : 248

 

 

 

 

 

 

Présentation de l'éditeur :  

Pendant un concert dans une petite ville du pays de Galles, Helena Attlee est captivée par le son d’un violon dont le timbre est différent de tous ceux qu’elle a entendus auparavant. Elle rencontre le musicien, qui joue dans un grand orchestre britannique ; son violon a appartenu à un Russe nommé Lev et a peut-être été fabriqué dans la ville italienne de Crémone, lieu de naissance du célèbre luthier Stradivarius. Quoique le violon soit usé et dépoli, sa voix est clairement unique. Pourtant, experts et commissaires-priseurs l’ont jugé sans valeur.

Ce mystère fascine l’auteure, qui, se familiarisant avec les principes de la fabrication des instruments de la Renaissance, se rend en Italie, à Oxford et à Paris, pour interroger des spécialistes de divers domaines au sujet du violon de Lev et de l’histoire du violon en général. Cette biographie d’un instrument donne vite lieu à une discussion plus large sur la politique et l’économie des lieux qu’Attlee traverse : chaque matériau du violon éclaire les échanges du début du monde moderne — de l’épicéa rouge, bois des Alpes déjà rare et régulé au 18e siècle, à l’ébène des violons baroques, importé d’Inde, d’Afrique ou d’Asie, car impossible à cultiver en Europe. Son enquête lui révèle également le double visage du violon, instrument qu’on trouve aux mains des communautés juives et roms les plus démunies (auxquelles le violon de Lev appartint sans doute) comme dans les orchestres princiers.

De Crémone en Italie à Rostov en Russie, en passant par Venise et Florence, Helena Attlee découvre une histoire qui va bien au-delà de la valeur de l’instrument qui avait suscité son enquête et nous révèle les mondes divers des sculpteurs, ébénistes, musiciens, compositeurs, marchands et exilés qui vivent du violon depuis plus de trois siècles.

 

 

Le mot de l'éditeur sur l'auteur : 

Helena Attlee est une auteure britannique de non-fiction, actuellement écrivaine en résidence au Royal Literary Fund (RLF). Elle s’intéresse particulièrement à l’histoire de l’Italie et des arts ; elle a écrit, entre autres, Les Jardins du Japon (2010, Synchronique Éditions) et le best-seller The Land Where Lemons Grow (Le Pays où poussent les citrons, non traduit ; Penguin, 2015).

 

 

Avis :

Emue lors d’un concert par le timbre très particulier d’un violon, l’auteur passionnée par les arts et l’Italie s’est mise en tête de retracer la vie de l’instrument, certes jugé sans valeur par les experts, mais dans son imagination le précieux réceptacle des émotions qui, d’un siècle à l’autre, ont pittoresquement accompagné son passage de main en main de musiciens.

 

De Crémone, la ville berceau de la lutherie abritant encore aujourd’hui plus de cent cinquante ateliers, au marché de Rostov-sur-le-Don dans le sud de la Russie où le violon fut acheté à un certain Lev, en passant par les forêts des Dolomites où se récolte toujours le précieux épicéa rouge, bois de prédilection des Stradivarius, Helena Attlee a passé quatre ans sur les traces de l’instrument, se le représentant d’abord violon d’église, possiblement joué aux côtés de Corelli dans l’un de ces orchestres si à la mode lors des offices religieux de l’Italie du XVIIe siècle ou par l’une de ces petites filles placées dans les ospedali de Venise, les plus vieilles écoles de musique d’Europe où officia notamment Vivaldi. Il aurait pu aussi devenir violon de cour, comme ceux dont les Médicis usèrent pour éblouir sujets et rivaux de leur « magnificenza », ou plus simplement violon tsigane ou instrument de « musica popolare », cette musique folklorique qui fit si longtemps fureur en Italie.

Et puis, après ce tour d’Europe et cette balade au travers des siècles retraçant avec passion l’histoire du violon en général, c’est une expertise dendrochronologique de l’instrument en train de rendre l’âme, à bout de réparations après une vie livrée à nos suppositions, qui permet au final de découvrir précisément son origine tant fantasmée. Ainsi s’achève un périple, sans doute trop survolé pour passionner les spécialistes, mais riche de pittoresques découvertes pour les néophytes que ce panorama historique a d’autant plus de chances de séduire que sa narration très vivante chatouille imagination et curiosité quant au véritable parcours du violon de Lev, en même temps qu’elle se charge de l’émotion portée par ces objets que l’on investit d’une forte valeur sentimentale.

Alors, non, le violon de Lev n’était pas l’un de ces « vieux italiens » dont la cote atteint des sommets sur les marchés financiers et que l’on s’évertue depuis des lustres à copier à ne parfois plus savoir démêler le vrai du faux. Mais, nourrie des émotions des musiciens dont il a partagé la vie, sa voix n’en porte pas moins les échos de siècles enfuis, auxquels l’on prête bien volontiers l’oreille dans cette non-fiction soignée et captivante. (3,5/5)

 

 

Citations :

Dans quelques endroits – dont Venise au seizième siècle – les gens semblaient même considérer que la musique dominait toutes les autres formes d’éducation ; en effet, alors que moins d’un tiers de riches familles marchandes de la ville possédaient un livre, on disait que presque toutes avaient au moins deux instruments de musique chez elles.

A la fin du dix-septième siècle , les gens riches et connus des villes musicales telles que Venise, Milan et Bologne avaient l’habitude d’assister aux offices religieux un peu comme ils allaient à l’opéra.

Les instruments furent les armes en première ligne dans la bataille des Médicis pour être les meilleurs de toutes les cours d’Italie à distraire les dirigeants et diplomates étrangers, à éblouir leurs sujets et intimider leurs rivaux.

Dans l’histoire qu’il partageait avec ses ancêtres et ses cousins, le violon de Lev inspira les premières sonates et les premiers concertos, changea pour toujours l’expérience d’aller à l’église, nourrit de sa voix la diplomatie des cours italiennes, et révolutionna les spectacles musicaux en engendrant les orchestres.

… joué par un bon musicien, les vibrations des cordes qui le parcourent massent le bois et apprennent aux cellules à bouger ensemble. La manière dont vibre un violon est la clé de sa sonorité ; comme le violon n’oublie jamais ce qu’il a appris, il continue de porter dans le son qu’il produit l’empreinte de ses violonistes antérieurs et, peut-être aussi, une mémoire de leur musique. Florian Leonhard me dit que certains des instruments  sont si imprégnés des héritages de musiciens extraordinaires qu’un violoniste qui essaie un instrument pour la première fois dit parfois que le violon semble vouloir un jeu particulier, comme s’il voulait retrouver les habitudes et les pratiques de son dernier propriétaire.

 

[Collectif] Trésors des bibliothèques de Versailles

 

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Titre : Trésors des bibliothèques
            de Versailles

Auteurs : Collectif

Parution :  2023 (Faton)

Pages : 176

 

 

 

 

 

 

 

Présentation de l'éditeur :

Exposition à l'ancien Hôtel des Affaires étrangères et de la Marine, Versailles - du 16 septembre au 16 décembre

Qu'y a-t-il de commun entre un roi collectionneur - Louis XVI -, Pierre Louÿs, Louise Labé, Miguel de Cervantès, Francisco de Goya, une mystérieuse jeune femme sculptée par Jean-Jacques Caffieri ou encore les mémoires d'un secrétaire d'Etat du Grand Siècle ? Peu de choses, si ce n'est que tous sont présents à la Bibliothèque de Versailles.

Au cours de ses deux cent vingt années d'existence, la Bibliothèque a accumulé nombre de trésors. Certains, comme le "Grand Carrousel de 1662", ont acquis une célébrité internationale, quand d'autres ont dû se contenter d'une existence plus confidentielle, voire sont restés dans l'ombre. Par le passé, plusieurs expositions ont permis de mettre en valeur les différentes facettes des collections de l'institution, qui embrassent des domaines aussi variés qu'inattendus.

Cette exposition entend mettre l'accent sur la notion même de trésor : quelques sont les éléments qui lui confèrent cette valeur ? Son auteur ? La rareté ? La provenance ? La matière ? L'originalité ? Et si un faux document nous en révélait autant qu'un original ? A travers de nombreux exemples, mis en lumière par les bibliothécaires, secondés par plusieurs historiens, historiens de l'art et historiens du livre, le visiteur est invité à emprunter un parcours où ces thématiques sont abordées sous différents angles. La bibliothèque de Versailles peut encore révéler un grand nombre de surprises.

 

 

 

Avis :

Les bibliothèques de Versailles abritent un important fonds patrimonial, constitué à partir de dons et de saisies révolutionnaires. Ce trésor fait de temps à autre l’objet d’expositions temporaires, comme ce dernier automne dans la galerie d’apparat du duc de Choiseul, à l’Hôtel des Affaires Etrangères et de la Marine.

Sur les 55 000 pièces anciennes et précieuses conservées, 160 ont été présentées au public. Une centaine sont photographiées et commentées dans ce livre grand format, structuré de la même façon que l’exposition, c’est-à-dire en fonction de ce qui fait la valeur des oeuvres. La visite-lecture commence par les plus anciennes : tablettes cunéiformes et monnaies antiques. Elle pose ensuite la question « l’auteur fait-il le chef d’oeuvre ? » autour de pièces plusieurs fois attribuées et réattribuées. Ce sont ensuite la provenance prestigieuse, révélée par les armes des reliures, les ex-libris, les annotations manuscrites, puis la rareté des éditions, enfin la valeur esthétique ou artistique, entre reliures d’exception, matériaux précieux, dessins originaux de maîtres tels Fragonard ou Goya, qui se relaient comme dans une course à la distinction. Le panorama s’achève sur une sélection de faux célèbres - fausses monnaies et faux manuscrits, provenances erronées -, eux aussi esthétiquement ou historiquement remarquables.

Précisément documenté, cet ouvrage séduira bien sûr les passionnés d’histoire de l’art et du livre, mais aussi les simples curieux, amateurs de musées ou lecteurs fascinés par les bibliothèques, où ne murmurent d’ailleurs pas que des livres mais aussi, comme ici, des objets qui ont beaucoup à raconter : tabatière devenue reliquaire, service de porcelaine prétendument offert par Marie-Antoinette, bague à l’histoire aussi mouvementée que controversée, fausse statuette antique fétichisée par l’un de ses propriétaires, bustes de plâtre, malle américaine portant l’inscription « books not bullets » - une de celles utilisées après-guerre pour l’envoi dans le monde d’ouvrages pour la jeunesse…

Une belle occasion de découvrir les trésors cachés, fragiles et ordinairement inaccessibles, de l’un de ces lieux magiques et mystérieux que sont les vieilles et somptueuses bibliothèques. (4/5)

 

 

 

Citation :

Les livres ressemblent aux soldats, plus ils sont placés haut, moins ils sont utiles. [Georges Clémenceau]

 

[Yvars, Alain] Camille muse de Claude Monet

 

 

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Titre : Camille muse de Claude Monet

Auteur : Alain YVARS

Parution : 2023 (BOD)

Pages : 156

 

 

 

 

 

 

 

Présentation de l'éditeur :  

Dans son Salon de 1866 pour le journal l'Événement, Émile Zola est enthousiaste : "J'avoue que la toile qui m'a le plus arrêté est la "Camille" de M. Monet. Je venais de parcourir ces salles si froides et si vides, las de ne rencontrer aucun talent nouveau, lorsque j'ai aperçu cette jeune femme traînant sa longue robe et s'enfonçant dans le mur, comme s'il y avait eu un trou... La robe traîne mollement, elle vit, elle dit tout haut qui est cette femme". Le tableau "Camille, La Femme à la robe verte", faisait une entrée remarquée dans la vie et la peinture de Claude Monet. Camille allait devenir sa muse, sa femme. Il ne cessera de croquer sa gracieuse silhouette : changeant de robe comme de personnages dans "Femmes au jardin", flottant dans les hautes herbes d'un champ de "Coquelicots", apparition ascendante dans "La Femme à l'ombrelle". Camille allait se dévouer corps et âme pour que Claude Monet devienne le chef de file des peintres avant-gardistes dont le crédo était la lumière changeante, les sensations fugitives.

 

Un mot sur l'auteur : 

Alain Yvars, qui a passé toute sa vie professionnelle dans la gestion d'entreprise en région parisienne, a toujours gardé intacte la passion de sa vie : la peinture. Après avoir peint de longues années, le blog qu’il a créé, Si l’art était conté, est consacré à des récits, nouvelles, et écrits divers sur l’art. Il aime imaginer dans leur contexte historique les peintres qui ont fait l’histoire de l’art, ce qui lui permet de s’inspirer de leur talent pour écrire ses récits.

Après son premier roman Que les blés sont beaux, hommage à Vincent Van Gogh, il a déjà publié deux recueils de nouvelles - Conter la peinture et Deux petits tableaux -, chacune en rapport avec le tableau d'un peintre important de l'histoire de l'art.
 

Retrouvez mon interview d'Alain Yvars ici.

 

Avis :

En couverture dans le tableau La promenade, elle semble avoir soudain pris conscience de notre présence et, dans un mouvement vif, se retourne pour nous fixer, comme par-delà le temps. Claude Monet l’a saisie il y a un siècle et demi en ce bref instant suspendu : va-t-elle ensuite poursuivre son chemin, sa silhouette dansante s’amenuisant peu à peu dans le lointain, ou nous attendra-t-elle pour nous donner le bras le temps d’un bout de chemin en sa compagnie ? Alain Yvars a pris les devants. C’est lui qui nous convie à une promenade auprès de l’ombre fugace de Camille, le temps de retracer son parcours d’épouse et de muse du grand peintre, comme l’on feuilletterait un album dont les photographies ne seraient autres que les tableaux qu’elle inspira.

D’emblée l’émotion est au rendez-vous, avec pour première image Camille peinte sur son lit de mort, ombre déjà floutée par les tonalités pâles et bleutées du tableau, tout enveloppée d’un flot de tulle comme une mariée. Nous voilà ramenés au cycle de toute vie humaine, qui finit là où elle a débuté, avec cette universelle question : « se pouvait-il qu’un grand bonheur puisse s’envoler, cesser d’exister ? » Dès lors, le récit s’engage dans une rétrospective intime, remontant là où tout a commencé, quand Camille n’avait que dix-huit ans et rencontrait Monet, balayant une décennie conjugale ponctuée de deux enfants et de bien davantage de chefs d’oeuvre picturaux, et revenant boucler le cycle avec les obsèques de la jeune femme, morte à trente-deux ans d’un cancer.

Hormis les tableaux où elle figure, peints par Monet mais aussi par Renoir et Manet, presque rien ne subsiste de Camille Doncieux, la jalousie d’Alice Hoschedé, la seconde épouse Monet, ayant mené à la destruction des lettres, photos et documents la concernant. Mais quels plus beaux souvenirs que cette série d’innombrables portraits, où elle paraît d’ailleurs parfois sous plusieurs personnages à la fois, et qui jalonnent l’essor artistique d’un peintre dont elle ne cessa de soutenir le génie trop novateur pour leur éviter la misère. Peintre lui-même, passionné éclairé et solidement documenté, Alain Yvars fait revivre le couple Monet aussi bien dans son intimité que face à son siècle, analysant avec sensibilité cette peinture du fugitif et de l’instantané qui fut une si grande révolution et qui nous restitue si bien la vie au travers de ses motifs.

Après Que les blés sont beaux, Conter la peinture et Deux petits tableaux, l’auteur nous régale à nouveau d’un ouvrage aussi intéressant qu’émouvant, luxueusement illustré de reproductions sur papier photo, pour une immersion si naturelle dans l’univers de Camille et Claude Monet qu’elle nous fait oublier l’immense travail de documentation qui la rend possible. (4/5)

 

Citations :

Sur la plage, lorsqu’il ne peint pas, Claude continue son enseignement. « Examine les contrastes d’ombre et de lumière, ils se répartissent à ravir. Les couleurs soucieuses les unes des autres suivant le principe des complémentaires que tu connais, vibrent intensément. Un vert et un rose, côte à côte, se font valoir l’un l’autre. » Camille est réceptive à ses paroles : « La sensation. Elle est essentielle dans la peinture, loin devant la forme, la matière, la description, que les maîtres nous apprennent. Un tableau doit reproduire tes émotions, ta scène intérieure, ton ressenti visuel face au spectacle qui s’offre à toi. La touche hachée, épaisse ou mince, ne doit pas être léchée. »

Il lui fait part de son observation d’artiste sur cette lumière qu’il passe son temps à tenter de résoudre : « Surtout ne plus voir les couleurs de sa palette à l’éclairage artificiel de l’atelier, mais modifiée par l’atmosphère, élément naturel de vie. » Il ajoute : « La lumière est la composante principale du tableau, elle nous dicte ses volontés. Suivant l’état du ciel, la journée, l’heure, la saison, le motif, personnage, objet, pierre que tu peins se modifient constamment. Deux solutions se présentent à toi : changer de toiles au fur et à mesure de l’avancement du jour ou bien revenir le lendemain pour terminer ta toile. » N’oublie jamais, disait-il : « rien n’est livré au hasard de l’inspiration, à la fantaisie heureuse du coup de pinceau. Les lois de l’atmosphère nous guident vers cette impression menant à l’harmonie. »

Le public perdure à bouder cette peinture que les journalistes et critiques continuent de moquer. Les gens se tordent et s’appellent devant chaque toile, les mots d’esprit circulent. Albert Wolff, dans le Figaro, n’a pas désarmé et sort un article dévastateur : « Après l’incendie de l’Opéra, voici un nouveau désastre qui s’abat sur le quartier. On vient d’ouvrir chez Durand-Ruel une exposition qu’on dit être de peinture. Le passant inoffensif, attiré par les drapeaux qui décorent la façade, entre, et à ses yeux épouvantés s’offre un spectacle cruel : cinq ou six aliénés, dont une femme, un groupe de malheureux atteints de la folie de l’ambition, s’y sont donné rendez-vous pour exposer leurs œuvres. Il y a des gens qui pouffent de rire devant ces choses. Moi, j’en ai le coeur serré. »
La « femme aliénée » est Berthe Morisot… Monet présente une vingtaine de toiles.

 

 

Du même auteur sur ce blog :

 

 Que les blés sont beaux

Conter la peinture

Deux petits tableaux

Ma galerie imaginaire 

 

[Godfard, Patrick] Les fêtes galantes ou les rêveries de Watteau et Verlaine

 

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Titre : Les fêtes galantes ou les rêveries
            de Watteau et Verlaine

Auteur : Patrick GODFARD

Editeur : Macenta

Parution : 2021

Pages : 176

 

 

 

 

 

 

Présentation de l'éditeur :    

Patrick Godfard nous entraîne délicieusement dans l'univers pictural et poétique des fêtes galantes de Watteau et de Verlaine et construit ainsi un subtil jeu de miroirs entre le peintre et le poète. 

Si son érudition sans faille les situe dans l'histoire de l'art et de la littérature, son style incomparable fait avant tout de cet ouvrage une invitation à écouter la musique de la poésie, à déceler les liens entre la musique et la peinture, à se laisser envoûter par le charme de ce théâtre de l'amour et à ressentir le mystère de mondes imaginés où les désirs sont sublimés dans des instants fugaces.
Le jeu de la commedia dell'arte associé à l'élégance de l'aristocratie se déroule dans une nature plus suggérée que décrite, qui devient l'écrin mélancolique d'une rêverie sur le marivaudage et la fatuité du divertissement. Musique et danse, couleurs et sentiments mettent en perspective ces portraits croisés de Watteau et Verlaine. 

 

"Votre âme est un paysage choisi" écrit Verlaine dès la première ligne de ses Fêtes galantes... et cette "âme" ne serait-elle pas aussi celle de Watteau, de Verlaine et la nôtre ?

 

 

Le mot de l'éditeur sur l'auteur : 

Patrick Godfard est professeur agrégé d'histoire et a enseigné, dans le secondaire et le supérieur, en France, aux Etats-Unis, en Russie et au Japon. Il est l'auteur d'une douzaine d'ouvrages, notamment Des impressionnistes aux Nabis (Editions Macenta, 2018).

 

 

Avis :

Dès sa parution en 1869, le recueil de poèmes de Verlaine, Les fêtes galantes, est apparu directement inspiré de la peinture de Watteau. Patrick Godfard s’est attaché à mettre en lumière les résonances et concordances entre ces deux œuvres que plus d’un siècle sépare.

Etayée par une solide documentation, l’analyse est érudite et experte. Elle s’ouvre d’ailleurs d’emblée sur une introduction si pointue que le néophyte risquera peut-être de s’en effaroucher un temps, un peu perdu d’entrer si vite dans le détail d’un sujet manifestement exploré avec une profondeur intellectuelle de haute volée. Heureusement, très vite, le propos devient limpide grâce à la juxtaposition parlante et judicieusement choisie des vers de Verlaine et des tableaux de Watteau qui les ont inspirés. Et c’est bientôt avec une fascination émerveillée que l’on se laisse guider par l’intelligence et la sensibilité de l’auteur, dans le jeu de répons entre le poète et le peintre.

Ainsi, peu à peu, se retrouve-t-on plongé dans une lecture croisée et extraordinairement complémentaire de Verlaine et de Watteau, l’oeuvre de l’un venant démultiplier la puissance de l’autre. Car, si les vers du poète soulignent en mots et en images musicales l’univers pictural de Watteau, les toiles du maître mettent en évidence le singulier pouvoir de suggestion et le génie poétique de Verlaine. Même s’il l’est pour moi, ce lien entre les deux artistes n’est certes pas une découverte en soi, mais l’art et la manière qu’a Patrick Godfard d’en éclairer toutes les facettes font soudain découvrir leur œuvre avec une acuité nouvelle.

Alors, lorsque le livre s’achève par les vingt-deux poèmes des Fêtes galantes de Verlaine, chacun illustré de son pendant pictural chez Watteau, c’est d’une oreille et d’un œil transformés qu’on les appréhende désormais. Un ouvrage brillant, dont il convient également de souligner la grande qualité des reproductions et de l’édition. (4/5)

 

 

Citations :

Une autre formule fit florès : « La peinture est une poésie muette et la poésie une peinture parlante. » Elle était attribuée au poète grec Simonide de Céos (env. 556-467 av. J.-C.).

 

Pour Verlaine, l’art se définit avant tout par sa puissance de suggestion, son pouvoir d’évocation, d’où la confluence remarquable dans les Fêtes galantes de la poésie, de la peinture et de la musique dans un jeu continu de correspondances où les mots sont autant de touches visuelles et sonores, autant d’« appels sensoriels ».

 

(…) Francis Magnard, dans un article du Figaro consacré aux Fêtes galantes et daté du 25 mars 1869, a défini cette nouvelle poésie par une formule laconique : « Pas de sentiments, à peine des impressions. »

 

L’apport wattesque et la révolution verlainienne consistent à ne plus dire mais à suggérer. Pour l’historien de la littérature française Victor Jeanroy-Félix, Verlaine a créé « l’école suggestive » en poésie. Cette école existait déjà en peinture. (…)
Car c’est ainsi qu ‘en effet, Verlaine « opère » : il commence par une image pour terminer sur une sensation.

Cependant la lune se lève
Et l’esquif en sa course brève
File gaîment sur l’eau qui rêve
(En bateau)

Une image, un mouvement, puis une sensation évanescente mais dont, justement, l’évanescence même fait qu’elle persiste dans la mémoire, comme un je-ne-sais-quoi qui obsède et berce.
Verlaine part d’un élément naturel défini (la lune) pour arriver à une sensation indéfinie (l’eau qui rêve), jouant évidemment sur un défini qui peut tout aussi bien être pris, dès le début, comme un « signe métaphorique » : la lune annonce le rêve.
Verlaine va du défini à l’indéfini, soit l’opposé d’un raisonnement ordinaire.

 

[Yvars, Alain] Deux petits tableaux

 

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Titre : Deux petits tableaux

Auteur : Alain YVARS

Parution : 2021 (Auto-Edition)

Pages : 114

 

 

 

Présentation de l'éditeur : 

Pouvais-je savoir, ce jour-là, qu’une visite au Louvre par un sombre après-midi de novembre allait devenir un des moments importants de ma vie d’amateur d’art ? Deux lumineux petits tableaux de Johannes Vermeer avaient bouleversé ma vision de la peinture. « La Dentellière » méditait sur son ouvrage et je ne voyais qu’elle et ses doigts si fins. Je flottais dans un monde où tout était facile, simple, à son image… Enfermés dans mon musée, peut-être ressentirez-vous cette sensation fulgurante provoquée par la vision de chefs-d’oeuvre des grands artistes qui vous attendent : Paul Cézanne, Eugène Delacroix, Édouard Manet, Auguste Renoir, Jan Van Eyck, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh, Jean-Siméon Chardin… De toile en toile, les pages de ce recueil, balade en mots et en images dans l’histoire de l’art, conserveront le souvenir et l’émotion de mes rencontres parcourues avec un regard complice.

Un mot sur l'auteur :

Alain Yvars, qui a passé toute sa vie professionnelle dans la gestion d'entreprise en région parisienne, a toujours gardé intacte la passion de sa vie : la peinture. Après avoir peint de longues années, le blog qu’il a créé, Si l’art était conté, est consacré à des récits, nouvelles, et écrits divers sur l’art. Il aime imaginer dans leur contexte historique les peintres qui ont fait l’histoire de l’art, ce qui lui permet de s’inspirer de leur talent pour écrire ses récits.

Après son premier roman Que les blés sont beaux, hommage à Vincent Van Gogh, il a déjà publié un premier recueil de nouvelles Conter la peinture, chacune en rapport avec le tableau d'un peintre important de l'histoire de l'art.

Retrouvez ici mon interview d'Alain Yvars.

Avis :

Après l’édition l’an dernier de son premier recueil de nouvelles « Conter la peinture », Alain Yvars récidive, pour notre plus grand plaisir, avec onze petits textes additionnels, chacun consacré à une œuvre majeure qui a marqué son parcours d’amateur d’art.

Cézanne, Chardin, Delacroix, Manet, Renoir, Toulouse-Lautrec, Van Eyck et Van Gogh… Un pas devant tous ces maîtres, c’est Vermeer qui préside cet ouvrage, lui offrant son titre et sa couverture, et nous introduisant dans le musée personnel de l’auteur où il semble occuper la place d’honneur, à la faveur d’une émotion et d’une fascination inversement proportionnelles à la si petite taille de ses deux tableaux visibles au Louvre. La balade se poursuit de toile en toile avec la même force émotionnelle, et surtout en procurant la sensation magique de pénétrer à l’intérieur de chaque tableau, dans une scène rappelée à la vie le temps de quelques pages.

Invité à guincher au bord de l’eau ou au bal du Moulin de la Galette, enveloppé de l’odeur de poudre flottant sur les barricades, engourdi par les séances de pose où, pour quelques heures, se figent muses et modèles, le lecteur voit soudain les tableaux s’animer, leurs sujets reprendre vie et l’accueillir dans une tranche d’existence saisie sur le vif. Les fidèles d’Alain Yvars retrouveront un des plus beaux passages de son roman « Que les blés sont beaux », lorsque l’église d’Auvers se met à vibrer sous le pinceau de Van Gogh. Je me suis personnellement attardée avec curiosité dans l’intérieur bourgeois des si désassortis époux Arnolfini, intriguée par les multiples lectures possibles de cette scène truffée de messages codés. Enfin, l’on sourit du texte de clôture, où le peintre amateur – alter ego de l’auteur ? - , se sent si petit face à ces géants de l’art.

Soulignons l’agréable toucher peau de pêche de la couverture et la qualité des reproductions en couleurs qui font de cette lecture un petit moment de bonheur, et il ne reste plus qu’à mentionner le reversement des droits de l’auteur à l’association Rêves qui soutient les enfants gravement malades, pour vous convaincre de découvrir ce petit ouvrage plein de charme. (4/5)

Du même auteur sur ce blog :

Que les blés sont beaux : l'ultime voyage de Vincent Van Gogh

Conter la peinture 

Camille muse de Claude Monet

Ma galerie imaginaire 

 

 

[Yvars, Alain] Conter la peinture

 

Coup de coeur 💓

Titre : Conter la peinture

Auteur : Alain YVARS

Année de parution : 2020

Editeur : Independently published

Pages : 110

 

 

Présentation de l'éditeur :

Les ombres des grands peintres disparus… Pourquoi la vision de leurs œuvres alimente-t-elle ainsi mon imagination ?
Marcel Proust dans son roman « À la recherche temps perdu » met en lumière la troublante relation qui existe entre la peinture et l’écriture, deux arts s’influençant mutuellement. Ainsi, il fait mourir Bergotte devant le tableau de Vermeer la « Vue de Delft » : « Il attachait son regard, comme un enfant à un papillon jaune qu'il veut saisir, au précieux petit pan de mur. « C'est ainsi que j'aurais dû écrire, disait-il. Mes derniers livres sont trop secs, il aurait fallu passer plusieurs couches de couleur, rendre ma phrase en elle-même précieuse, comme ce petit pan de mur jaune ».
Tout au long des douze nouvelles de ce recueil, j’ai souhaité faire connaissance avec ces hommes et femmes qui ont fait l’histoire de l’art, les regarder peindre et vivre. Subtilement, de la même façon que Bergotte devant « le petit pan de mur jaune », un jeu de miroir a fini par s’établir entre les œuvres et mes mots, créant parfois un dialogue imaginaire avec les artistes.

 

Un mot sur l'auteur :

Alain Yvars, qui a passé toute sa vie professionnelle dans la gestion d'entreprise en région parisienne, a toujours gardé intacte la passion de sa vie : la peinture. Après avoir peint de longues années, le blog qu’il a créé, Si l’art était conté, est consacré à des récits, nouvelles, et écrits divers sur l’art. Il aime imaginer dans leur contexte historique les peintres qui ont fait l’histoire de l’art, ce qui lui permet de s’inspirer de leur talent pour écrire ses récits.

Après son premier roman Que les blés sont beaux, hommage à Vincent Van Gogh, sa seconde publication Conter la peinture est un recueil de nouvelles, chacune en rapport avec le tableau d'un peintre important de l'histoire de l'art.

Retrouvez ici mon interview d'Alain Yvars (Juin 2019)

 

Avis :

Lui-même peintre et passionné d'art, Alain Yvars a choisi quelques œuvres picturales célèbres pour, le temps de courtes nouvelles, redonner vie à chacun de leurs auteurs et de leurs époques : un peu comme si, en observant chaque tableau, un écho de leur contexte et des personnes qui les ont vus naître vous parvenait au travers des siècles. Soudain, l'atelier, le modèle, la société d'alors resurgissent à vos oreilles, comme un fond sonore accompagnant votre contemplation. 

Je me suis plu à imaginer un musée capable de vous faire vivre les oeuvres de la même façon : devant chaque tableau, un casque sur les oreilles, j'entendais l'évocation sonore reconstituée à partir du texte d'Alain Yvars, ou bien, à l'instar de l'expérience immersive proposée sur les peintres impressionnistes au Château d'Auvers-sur-Oise, j'assistais à un bref son et lumière, au moyen de quelques images projetées sur les murs et toujours d'une bande-son restituant l'atmosphère et les voix.

Il a fallu à l'auteur toute l'imprégnation acquise au cours de décennies de passion, pour ressusciter avec autant de naturel et de crédibilité ces petits morceaux de vie, pour réussir ces brèves plongées dans l'intimité des peintres et de leur entourage. Tous ces textes accompagnés d'illustrations réussissent à faire vivre les oeuvres qu'ils évoquent : en lisant Alain Yvars, les tableaux cessent d'être de beaux objets inertes que l'on vient contempler, ils s'animent et parlent, ils vous projettent directement dans l'existence des hommes et des femmes peintres. 

Chacune de ces petites nouvelles est différente, toutes sont agréables à lire et, sans aucun doute, elles ont de quoi intéresser autant les passionnés d'art que les néophytes. Coup de coeur (5/5).

Je remercie Alain Yvars pour son service presse et salue son soutien à l'association Rêves pour enfants malades, à qui il reverse les bénéfices de ses publications.

 

Du même auteur sur ce blog :

Que les blés sont beaux : l'ultime voyage de Vincent Van Gogh

Deux petits tableaux

Camille muse de Claude Monet

Ma galerie imaginaire